Michael Eugene Katz

Meine Arbeit vereint digitale Malerei, Druckgrafik und Fotografie auf eine Weise, die mit traditionellen analogen Medien nicht möglich ist. Dazu gehört das Malen in mehreren veränderlichen Ebenen und Pinselstrichen, die ich nach Belieben neu anordnen, kombinieren, löschen und wiederherstellen kann. Ich greife auf meine jahrzehntelange Erfahrung im Improvisieren von Hand zurück, um zu experimentieren. Ich nutze die einzigartigen Eigenschaften der Fotografie auf eine Weise, die mit Fotografien nicht möglich ist. Ich arbeite mit Schärfentiefe, Bewegungsunschärfe, Lichtquellen und Belichtung. Ich folge meiner Neugier und meinen Instinkten, die Fragen aufwerfen. Ich möchte ihnen etwas zeigen, das sie und ich noch nie zuvor gesehen haben. Ich lasse meine Instinkte, den Zufall und meine Intuition durch Improvisation neue Gedanken anregen und dem Betrachter ein neues visuelles Erlebnis bieten. Digitale Technologie ermöglicht deduktives und induktives Denken, aber nur Menschen können abduktiv denken. Sie kann die Fantasie auf einzigartige Weise anregen, die Worte nicht ausdrücken können. Abduktives Denken kann dem Betrachter auch einzigartige Erfahrungen ermöglichen, die sich von meinen eigenen unterscheiden.

Schon als Kind habe ich, solange ich mich erinnern kann, gezeichnet und gemalt. Bereits als Teenager hatte ich mich entschieden, Werbegrafiker zu werden. Ich studierte Design und Malerei an der Kent State University und erwarb dort 1969 meinen Bachelor of Fine Arts (B.F.A.) und 1973 meinen Master of Arts (M.A.).

Meine Karriere nahm einen unerwarteten Verlauf. Ich begann als Grafik- und Bühnenbildner beim öffentlich-rechtlichen Fernsehen in Miami, was mir viel Raum für ein intensives Atelierleben ließ. In dieser Zeit fertigte ich Schwarz-Weiß-Zeichnungen im Format 71 x 102 cm auf Archivpapier mit der Airbrush an, verwendete schwarze Tusche auf Papier und malte 107 x 152 cm große Acrylbilder auf Leinwand. Sie basierten auf meinen eigenen Schwarz-Weiß-Fotografien von alltäglichen Orten, drinnen wie draußen. Ich manipulierte die fotografischen Eigenschaften wie Schärfentiefe, Unschärfe und Langzeitbelichtung und fügte dann improvisierte, etwas deplatzierte Formen hinzu. Meine Arbeiten wurden in jurierten und kuratierten Ausstellungen an vielen Orten in den Vereinigten Staaten gezeigt. 1976 beauftragte mich das Kunstprogramm des Miami-Dade County mit sieben großformatigen Gemälden. 1979 erhielt ich ein Stipendium des National Endowment for the Arts. Anschließend zog ich nach New York. Meine Zeichnungen wurden 1982 im Drawing Center ausgestellt. Die Kritikerin der New York Times, Vivian Raynor, schrieb, jede einzelne enthalte „ein oder zwei unverständliche Formen“. Ich empfand das als Kompliment – etwas zu schaffen, wofür es keine Worte gibt. 2023 waren meine Arbeiten in der Platform Showcase des Orlando Museum of Art in Orlando, Florida, und in der Online-Ausstellung Artfare in New York zu sehen. Aktuell sind sie online bei White Columns in New York zu sehen.

Um in New York meinen Lebensunterhalt zu verdienen, kehrte ich zum Design zurück, diesmal für das Fernsehen. Bei NBC gestaltete ich Illustrationen, Motion Graphics und Vorspanne für die Today Show, die Nightly News und zahlreiche Dokumentationen. 1991 wurde ich Senior Design Director für die On-Air-Promotion von HBO und 1998 Design Director bei Comedy Central. Für diese Arbeit erhielt ich einen Emmy sowie Auszeichnungen der Society of Illustrators, der Broadcast Designers International Association und des New York Festivals. Ich wusste, wie man Botschaften und Geschichten visuell unterstützt und verstärkt. Dieses Wissen nutze ich, um visuelle Kunst zu schaffen, die ein einzigartiges visuelles Erlebnis bietet.

Bei NBC geschah etwas, das meine heutige Arbeit nachhaltig prägte. 1981 begann ich mit der Quantel Paintbox Workstation zu arbeiten, einem berührungsempfindlichen Stift – einem digitalen Malstudio speziell für die Fernsehproduktion. Sie erschien acht Jahre vor Photoshop und bot weitaus mehr Möglichkeiten. Ich konnte Videoframes, Fotos und handgemalte Bilder kombinieren. Die „Paintbox“ kostete 250.000 US-Dollar, sodass nur wenige Künstler sie nutzen konnten. Ich hatte das Glück, einer von ihnen zu sein, und nutzte sie fast zehn Jahre lang täglich. Später lud mich Quantel ein, das Nachfolgemodell zu testen, und daraus entstand mein digitales Gemälde „Rest Stop“. Die ganze Zeit fragte ich mich, wie man digitale Technologie für den persönlichen Ausdruck nutzen könnte. Im Jahr 2000 ermöglichten mir ein Mac-Computer, Software und ein druckempfindlicher Stift, dies herauszufinden.